USA 1968, quattro venditori porta a porta. Al contrario di quanto ci si potrebbe aspettare, non hanno capelli lunghi né indossano t-shirt psichedeliche. Gli attori – attori sociali – del documentario dei fratelli Maysles portano camicie bianche, cappelli a caciottella e bussano alle case di un’America distratta dalla musica o dal dibattito sul Vietnam e concentrata, invece, sulla quotidiana sfida di avere il pane in tavola e pagare le bollette. Cosa vendono i quattro salesmen? Uno dei best seller dell’industria editoriale, la Bibbia.

Hana Chirinu (1938) è considerato il capolavoro di Tamizu Ishida. Racconta la quotidianità di un gruppo di gheisa che vivono in una casa del famoso quartiere di Gion a Kyoto. Siamo nel 1866, poco prima dell’imminente arrivo del clan Choshu, gruppo di samurai che minaccia di invadere la città. Nonostante la guerra civile sia l’elemento principale di questo racconto, il film racconta con forza anche la condizione delle gheisa nel Giappone di fine Ottocento. Un racconto corale, in cui emergono sporadicamente alcuni personaggi potenti e ben delineati.

Pur tenendosi lontano da qualsiasi riferimento politico e sociale, L’uccello dalle piume di cristallo (uscito nelle sale nel febbraio del 1970, due mesi dopo la strage di Piazza Fontana) può essere considerato un film emblematico di un profondo cambiamento nella società italiana: la luce, la leggerezza e l’ottimismo degli anni Sessanta lasciano definitivamente spazio ad un nuovo decennio cupo, pesante e violento.

Girato in 16mm su delle allora modernissime macchine da presa maneggiate, per le riprese, da non più di cinque operatori, il film del regista, premio Oscar alla carriera, D. A. Pennebaker ci trasporta all’interno del Monterey Pop Festival, svoltosi in California dal 16 al 18 giugno 1967 e che vide la partecipazione di artisti come Jimi Hendrix, Janis Joplin, Simon & Garfunkel, i Jefferson Airplanes e i Who solo per citarne pochi, acclamati da una folla di più di 55.000 persone.

All’interno della sezione che riscopre il regista statunitense William K. Howard, il Cinema Ritrovato esalta il valore del restauro di Transatlantic (USA,1931) dedicando al film due proiezioni, lunedì 26 giugno e sabato 1 luglio al Cinema Jolly.

Un tipografo e sua sorella vivono le rispettive vicende romantiche a Teheran, sono gli anni ’50. Lui difende una donna povera dai soprusi di una banda di delinquentelli d’alto bordo e finisce per innamorarsene; lei cede alle attenzioni del capo della banda; frattanto un pazzo, evaso dal manicomio in una notte di tempesta e considerato estremamente pericoloso, terrorizza la città.

Parabola cristologica, vera e propria anatomia di un martirio, è la storia di una prostituta ingaggiata da un signorotto per interpretare la Madonna nella processione del venerdì santo, con l’intento di mettere in ridicolo il bonario curato. Fondato sul contrasto, il film racconta anzitutto il conflitto dell’eroina titolare, una peccatrice dal nome più che simbolico, chiamata a trasfigurarsi nella sua antitesi, la vergine redentrice.

Con più di un debito nei confronti de Il ladro di Bagdad (1940), il film ripropone un immaginario arabo plasmato dalla fantasia hollywoodiana, una fuga esotica che alla pari di altre operazioni (le varie versioni di Kismet, dal muto a Vincente Minnelli, passando per William Dieterle) si diverte ad inventare un universo favolistico fatto di principesse, marinai, avventurieri, califfi, sultani, maghi ma che può fare a meno del popolo.

Una felice sequenza di proiezioni ha permesso agli spettatori di questa edizione del Cinema Ritrovato di godere di un pomeriggio dedicato a Ivan Mozžuchin: attore, divo e regista, emblema e protagonista indiscusso della storia del cinema muto, russo e mondiale. Nella sezione Cento anni fa: 1917 è stato presentato Kulisy Ekrana – Behind the screen (G. Azagarov?, A. Volkov?, 1917), mentre a seguire, in quella dedicata alle pellicole restaurate, Kean ou Désordre et Génie (A. Volkov, 1924).

Un operaio della cultura: è così che di definisce Med Hondo, regista mauritano riscoperto grazie al lavoro del professor Aboubakar Sanogo e dell’African Film Heritage Project, ambizioso progetto della Film Foundation di Martin Scorsese in collaborazione con FEPACI e UNESCO. Il Cinema Ritrovato ha deciso di dedicare ampio spazio alla sezione, il cui protagonista indiscusso è sicuramente Hondo. Il regista, infatti, ci regala uno sguardo nuovo sul mondo: quello del popolo africano in occidente.

Le lacrime di commozione di Med Hondo alla presentazione di West Indies, manifestazione passionale della sua gioia nel poter condividere il suo film con il pubblico a distanza di 40 anni, spiegano meglio di tante parole la perseveranza del regista mauritano nel concepire il cinema come un’arte collettiva tout court e l’importanza cruciale di quest’opera nella ridefinizione del cinema africano successivo.

La sinfonia della nave da guerra più celebre del cinema irrompe nella cornice di una Piazza Maggiore viva e pulsante, con una proiezione musicata dal vivo dalla Filarmonica del Teatro Comunale di Bologna condotta da Timothy Brock. Sono passati ben 92 anni dalla sua prima proiezione, tuttavia La corazzata Potëmkin è sempre in grado di rinnovare lo stupore di chi assiste alla sua messa in scena.

Dominique Marceau è giovane e bella, vive la sua vita da Rennes a Parigi disinibita e indipendente da ogni forma di convenzione e finzione borghese e Brigitte Bardot incarna perfettamente gli accordi e disaccordi di questo personaggio: lontana e “straniera” rispetto alla società contemporanea e, nello stesso tempo, animata da un forte bisogno d’amore, Dominique vedrà e proietterà tale parte mancante di sé stessa nella figura di Gilbert Tellier.

L’epica ritrovata: si potrebbero riassumere così le proiezioni che ieri sera hanno coinvolto, emozionato, entusiasmato il pubblico in Piazza Maggiore di fronte a due capolavori assoluti: il Prologo de La Roue di Abel Gance (1923), anticipazione del restauro condotto dalla Fondazione Jérôme Seydoux-Pathé che vedremo integralmente nel 2019, e forse il più celebre dei film meno visti della storia del cinema, La corazzata Potëmkin del maestro Ejzenštejn (1925).

Julien Duvivier, il regista di questo incredibile La Fête à Henriette, conta sempre più seguito fra i cinefili, ma ad oggi nè l’uno nè l’altro sono quel che si dice di grido. Il gioco a incastri metacinematografico di Henriette inizia fin dai titoli di testa, con una sfilza di punti interrogativi nei credits, e subito all’autoironia di Duvivier si sovrappone il gelo che non può non cogliere l’aficionado nel vederli campeggiare al posto del suo nome.

Dopo il fiume lungo il quale è ambientata la malinconica commedia Unter den Brücken (1946), è ancora l’acqua a fare da sfondo al thriller da camera (anzi, da barca) La traversata del terrore, realizzato nel 1950. Se nel primo caso il contesto storico politico riecheggiava in maniera indiretta nell’atmosfera malinconica di fondo della vicenda sentimentale, qui il presente del paese viene affrontato da Helmut Käutner di petto, senza pietà.

“La guerre est déclarée!” dice il giovane Tabard, guidando i suoi compagni verso la rivolta. La guerra è dichiarata, quindi. La guerra contro il mondo degli adulti, le istituzioni ferree, le regole, le imposizioni, le violenze sottili. Una lotta verso lo Zero in condotta. Un numero tondo, panciuto, ma pieno di rabbia e privazioni.

Il film racconta la parabola di Jim Garry, mercenario disilluso che viene assoldato dal potente mandriano, e vecchio conoscente del protagonista, Tate Riling per aiutarlo a strappare, con tutta la forza necessaria, i capi d’allevamento del rivale Lufton. Però, innamoratosi della figlia di Lufton e avendo compreso la disgustosa meschinità di Riling, Garry deciderà, anche per redimersi da errori passati, di passare dalla parte di Lufton, combattendo per la libertà e la giustizia.

Evgenij Bauer, considerato fra i maggiori registi del cinema pre-rivoluzionario russo, abile autore di adattamenti letterari, nella sua breve e intensa attività realizza oltre ottanta film, nei quali si combinano e ritornano topoi e personaggi consueti della stagione del muto: lo scontro di classe, l’amore non corrisposto, la moglie fedele o fedifraga, l’amante impaziente e il marito sospettoso.

Inattivo dai tempi di Bengasi (1942), Augusto Genina dovette aspettare sette anni prima di tornare dietro alla macchina da presa. L’occasione gli arrivò alle porte del Giubileo, con il biopic dedicato a Maria Goretti, visto con più di un occhio di riguardo da settori perlomeno sospettosi della progressiva egemonia culturale che la sinistra stava allora esercitando sul cinema italiano. Sarebbe semplicistico e sicuramente sbagliato dire che da regista di regime Genina divenne qui regista della repubblica, massimo esponente di un altro realismo agli occhi di chi intendeva lavare i panni sporchi in famiglia.