Gracey argomenta che al giorno d’oggi non basta saper far volteggiare la macchina da presa con grazia ballerina ma, così come il cinema d’azione è vertiginoso e dopato dagli effetti speciali, perché non dovrebbe esserlo allo stesso modo anche il musical, genere per definizione dinamico e teso al senso di meraviglia? In tal senso Baz Luhrmann, australiano come Gracey, docet. Gracey si profonde in una serie di mirabolanti sequenze in grado di condensare l’emotività di intere storyline nello spazio di una coreografia.

Il blando auspicio di ripercorrere la mitologia legata al reame di Rohan attraverso un eroe femminile (tanto per stare al passo coi tempi, ma anche in questo caso senza una vera ricerca della complessità), si risolve in una serie di stucchevoli ammiccamenti che si sommano a delle gravi alcune tecniche. Su tutte lo straniante effetto generato dal contrasto fra il fotorealismo dei fondali e l’assenza di fluidità nei movimenti delle figure in rilievo.

Non solo è manifesto l’intento di cucire con quest’ultimo lavoro le due estremità della matassa inaugurata con Jackie, approfittando di plurimi richiami alla vedova Kennedy e della presenza dello stesso attore a vestire i panni del Presidente USA, ma il meccanismo a scatole cinesi che collega i tre capitoli cinematografici è racchiuso tutto in quei Ciak di Maria, tre per l’appunto più un programmatico Finale, che scandiscono gli atti di tre opere.

Con Maria, Pablo Larraín prosegue un progetto cinematografico ormai evidente ma pieno di deviazioni e forse non così dichiarato quanto sembra. Prosegue la sua “missione biografica femminile” che trova in Jackie e Spencer le due massime espressioni: sono biopic svuotati e rielaborati a partire dai corpi (vedi anche Ema), intitolati con il meno storicizzato tra cognome e nome della protagonista (già dichiarazione d’intenti), incentrati su figure di potere come gabbie e maledizioni.

A dispetto di quanto l’ambientazione possa far pensare, la piccola scuola di provincia di Armand non è quella de La sala professori, e tanto meno quella de L’innocenza, orientate a una critica delle possibilità educative e dei vincoli autoritari rappresentati dall’istituzione scolastica – qui ridotta a pura scenografia. Dentro le mura della scuola la tensione è ben costruita, ma lo sviluppo è approssimativo rispetto agli iniziali intenti.

Il documentario Essere donne (1965), girato da Cecilia Mangini è stato all’epoca ingiustamente boicottato dagli stessi produttori e registi che facevano parte della Commissione ministeriale che decideva delle sorti dei medio e cortometraggi che accompagnavano la programmazione dei film nelle sale. Non ottenere l’appoggio degli esercenti e neppure il premio di qualità, significava negare  una vita sullo schermo al proprio film. Era un modo subdolo per censurare indirettamente quei documentari che affrontavano argomenti scomodi che il governo non desiderava far arrivare al pubblico. 

Anche quest’anno – dopo aver pubblicato la classifica generale – offriamo i 3 film preferiti (in ordine alfabetico) dei nostri redattori. Si conferma la ricchezza dell’offerta cinematografica di questa stagione. In ogni caso, le preferenze espresse dai redattori di Cinefilia Ritrovata possono fungere anche da guida appassionata per una stagione cinematografica tutta da riscoprire anche nei prossimi tempi. 

Il regista francese svicola dalla sua filmografia impegnata – direttamente per bocca del suo protagonista che rifiuta una sceneggiatura dalle tinte politiche – e si traveste un po’ da Lelouch, un po’ da Linklater, per condurci nei meandri di un meccanismo che alterna vuoti enormi, anche in termini di messinscena e tappeto sonoro, a densità emotiva tangibile, in una depressione cinematografica spesso estenuante per lo spettatore e gratificante per il cinefilo.

Le occasioni dell’amore  è un film il cui fascino non si esaurisce nelle immagini, ma diviene materia percepibile che si sedimenta con grazia senza arrivare ad appesantire. Tecnicamente rigoroso e calibrato, l’ultimo lavoro di Brizé percorre la via della semplicità per insinuarsi nel profondo e rivelare verità articolate. Uno scorcio malinconico e al contempo premuroso nell’infondere un senso di calore, come un raggio di sole che in pieno inverno riesce ad aprirsi un varco nella coltre di nubi per baciare la terra.

Conclave è un asciutto e classico thriller morale e, verso il finale, forzatamente fantapolitico del quale, al di là delle puntuali prove offerte da un cast che si sapeva di prim’ordine e della scrittura dell’esperto Straughan, resta poco di davvero memorabile. Non promettendo né più né meno di quanto prospettato dalla sua confezione. Perlomeno, in Conclave si ritrova un’interessante incursione in tematiche che avrebbero meritato una più approfondita indagine, quali femminismo e inclusività.

Per il suo esordio alla regia Una notte a New York la sceneggiatrice e autrice Christy Hall predilige un single location movie, vale a dire un film ambientato in un unico spazio. Un’operazione che, all’apparenza può sembrare un modesto tentativo, ma nasconde numerose insidie, prima fra tutte il rischio di smarrire lo spettatore tra i dialoghi e privarlo dell’azione. Una notte a New York non inciampa in questo sgambetto. E nel cinema sappiamo bene che la fortuna del principiante non esiste.

La regia favorisce infatti le scene di gruppo, ricorrendo spesso ad ampie inquadrature fisse con tutti i personaggi in campo. Questa scelta stilistica conferisce un look più teatrale che cinematografico e risulta inizialmente un po’ stucchevole. Nel complesso aiuta a collocare le vicende dei singoli personaggi in un contesto provinciale, in cui tutti sanno tutto di tutti e ci si ritrova sempre negli stessi posti, tanto che ad alcuni personaggi secondari, come i commercianti del quartiere amici di Tatsuo, non è mai dedicato un piano individuale.

Huston si rifà al bianco e nero e alla fisicità del capostipite Toro scatenato, paga tributo – similmente a Scorsese – all’estetica televisiva del tempo che fu, poi durante il match finale ingaggia la macchina da presa in un corpo a corpo brutale sconfinante nella soggettiva come Warrior e infine fa cadere al tappeto i due contendenti contemporaneamente alla maniera di Rocky e Apollo, con solo uno dei due che riuscirà a rialzarsi.

A metà tra il documentario e la fiction, Aquele Querido Mês de Agosto appare fin da subito un lavoro cinematografico insolito, che condivide nelle intenzioni e nelle suggestioni un certo modus operandi, sperimentato nei capolavori della Nouvelle Vague e nel cinema portoghese contemporaneo più innovativo. Premiato in numerosi festival internazionali, il film di Gomes risulta un’anomalia cinematografica, una visione sulle ali di “un’estetica della superficie”.

Con Solo per una notte, Rappaz sperimenta il potere di raccontare una donna, forte nella sua fragilità e fragile nel suo amore. Il film non ammette alcun pregiudizio nei confronti di Claudine e forse, questo è proprio l’elemento di scrittura più sofisticato. La possibilità di amare contemporaneamente più cose; ecco la spiegazione che Claudine dà a Baptiste quando le chiede il significato di eclettico, finendo per codificarsi come la chiave prolettica della sua storia.

Lo stile cinematografico teso e sotteso di Courcol dimostra piena padronanza nella progressione degli sviluppi e dei cambi repentini che scandiscono il film, che oscillano tra commedia e dramma proprio come un metronomo. Allo stesso tempo, la sottotraccia di quel filone operaio interno – molto caro al cinema francese – non smette mai di suonare, anzi, percuote prepotente nel tentativo finale di allestire un’orchestra diretta da Thibaut all’interno della fabbrica occupata (e destinata a chiudere) dagli amici e dai compagni di banda di Jimmy.

In tempi più vergini di immagini, le prime riprese cinematografiche di terre esotiche rappresentarono per molti spettatori il primo sguardo su mondi lontani, accorciando le distanze, come già fece la ferrovia. Ma nel cinema di Miguel Gomes i binari narrativi che promettono di ricongiungere direttamente questi mondi sono inaffidabili, il treno è destinato al deragliamento, la narrazione alla divagazione.